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ENTREVISTAS
10/1/2008.
Colossus Magazine - Finlandia
Inferno Overview (Entrevista con los artistas participantes en la producción épica de Colossus/Musea "Inferno", basada en La Divina Comedia de Dante Alighieri)
Por Marco Bernard
1. Could you tell us something about your band? When was it formed and who are playing in it? What kind of music do you play and have you made any records?
I don’t have exactly a band, but a musical project that over the years has included many good friends and guest musicians, so far more than 30 in different moments and collaboration efforts. I have produced 2 studio albums, 2 live records, a new studio album still in the making and other individual recordings like the one for this project, besides collaborations on other artists’ projects. I started my solo projects in 1993 after several years in music, and I produced my first album in 1999. I compose the kind of music that I enjoy listening to. I don’t have self-imposed limitations on styles, genres, etc. Whatever sounds good to me is allowed, even if it doesn’t make sense.
2. Colossus together with Musea Records has produced some progressive rock epics starting with “Kalevala” in 2002. Have you heard some of these epics or perhaps even participated in some of them? What is your opinion of these releases?
I have not listened to them yet. It is my fault because the last years I have been isolated from much good music that is being produced around the world and been selfishly concentrated on my own music. I am very interested after I learned about them on the Colossus website; I will start getting them and learning more about those productions and the concepts that inspired them. I think that it is great that Colossus put together those epic projects with artists from around the world, revisiting great classics of literature and cinematography by bringing so many different views and interpretations on the same theme.
3. How did you get interested in the Inferno Project and why did you decide to participate in the project?
Colossus Magazine’s editor Marco Bernard invited me to participate, and when I read about the project I’ve got myself immediately engaged with the idea. After reading the list of participating bands, I felt honored to be in this project, with all those great musicians from around the world. Being this a production inspired in one of the greatest works of world literature also got my interest from the beginning.
I have been in contact with Colossus and Musea since my first album release in 2000. Both organizations have supported my work and allowed me to get to their big audience and readers. Both have a tradition of excellence, so I fell fortunate to be part of any of their projects.
4. At what phase is your song for the project? Are you perhaps already recording or is the song only an idea still?
I composed the music for my song the first week after I was invited to participate in the project. Not only because I was excited to be part of this project, but also because I was worried about being able to create something by request instead of the spontaneous composition process I usually find myself into. I spent some time writing arrangements for a string ensemble for this song, and some polyphonic vocals as well. Guitars are always the easy part for me. I spent some time doing research on The Divine Comedy (I confess that I have never read it entirely before, I had read isolated portions of the work and I was semi-familiar with the themes), reading about Dante Alighieri and listening to my albums of Italian and Spanish early music. I decided to write my song as a piece of Rock Opera to bring a little more drama (as good or bad it may be), but trying to project as much as possible my own interpretation of the characters and the stories described on that portion of the poem.
5. What do you think about this kind of project where many bands will be participating and each band is creating new music around a common theme? What are your expectations of the project?
It is a great opportunity to exercise the “what if” factor. Especially if you combine artists with different background, vision, style, culture, etc. It is always good to bring new and different views over an old theme. It is very interesting to look at the final product of these types of collaborations, to experience it as part of the audience and being able to learn from all the different creative approaches. I also think that it is always important to keep in mind the original work, to be respectful to the author and his/her work, and try not to cross the fine line of good taste, while being true and honest.
My expectations of the project are very high, based on the artists participating, the organizations behind, and the power of the concept.
6. The intention is to use only original 70’s instruments (like Hammond organ, Mellotron etc.) when making the music for the Inferno project. Some say that it is an artistic restriction not to allow digital instruments and programming. What is your opinion of this?
It makes sense to use original 70’s instruments, given the concept inspiring this project. I went even further in the past, and tried to incorporate classical instruments together with the contemporary ones. Talking about keyboards, I started playing myself some keyboards in the song, especially some organ and synth parts, and a short organ solo. Then, unexpectedly I received an email from Richard Marichal, an outstanding Venezuelan keyboard player, who wanted to show me his own version of the second movement of my Dreams Concerto, with his own great minimoog solos and synthetizers. I was honored and at the same time amazed with his sounds and performance. I couldn’t resist inviting him to this project, and that’s how the minimoog entered in the picture, which is great because it fits in the spirit of this project and the vision of their producers.
I personally did not find these requirements as restrictions because I really enjoy acoustic, classic and vintage instruments. I am not a MIDI guy, even thou I enjoy to experiment with electronic sounds, guitar synth and all that stuff, but at the end I prefer to keep it simple and pure. I don’t even use my guitar effects these days, so I may be getting older and nostalgic (or obsolete).
7. Some have the opinion that there are not so much original progressive rock releases produced nowadays and that most of the bands are only copying the music of the bands from the 70’s. How do you see the progressive rock scene of today? What about the future of progressive rock?
There are hundreds or amazing artists producing exciting and innovating music nowadays. Check YouTube, MySpace, etc. and you will see.
Good music and great artists inspire more good music and other great artists, so there’s nothing wrong on listening and assimilating good influences and styles, and then if something original comes out that’s even better.
Bach influenced Mozart, Ellington influenced Gillespie, Elvis influenced The Beatles, Montgomery influenced Benson, etc., and each one was good and unique. The good thing nowadays in the world culture we live is that the influences are coming from everywhere, so the results are unpredictable.
Naturally, generations pass and new ones come. You don’t see too much people nowadays listening to the great music from the 30’s and 40’s, and the reason is that the people who grew up and were exposed to that culture are now elders or have already died. The generation who experienced the splendour of classic rock are now in their 50’s and 60’s, so we still have a couple of decades of nostalgic listeners. Then, you have the sons of that generation, like me (I was born in 1970). I was exposed to that music as a child during the 70’s, but it was already losing the big audiences and airplaying at that time. Then, you have the younger ones that started to listen to their parents vinyl albums, and at the same time are listening to newer versions and fusion with newer styles. And the compact disc generation, who think that the turntables were invented by the DJ’s. I believe that progressive rock, old time r’n’r, classic rock, jazz of all ages, good pop music will survive as musical genres and styles the same way as classical music did, and musicians around the world will continue exploring them as part of their global culture and gamut of influences. They will not be the same, the will be mixed with all kind of instruments, ideas, sounds and styles, but they will be there. Great music, great composers, and timeless artists like The Beatles will always be there, because they left a legacy, have changed people lives, and there are recordings, written history, the Internet, and all kind of music audience to perpetuate their work.
Colossus Magazine thanks all the bands/artists participating to the project and we hope that the final release will be satisfying to both the artists and the listeners.
01/02/2007.
Descubre La Caja de Pandora - España
http://descubrelacajadepandora.blogspot.com/2007/02/la-caja-de-pandora-n-3.html
Entrevista a RAIMUNDO RODULFO
por José Luis Martínez
Este excepcional guitarrista venezolano, con tan sólo dos trabajos publicados, ha conseguido atraer la expectación del mundo progresivo por su profesionalidad e imaginación
.25/08/2003.
Movimenti Prog - Italia
www.movimentiprog.net
Intervista a RAIMUNDO
RODULFO
chitarrista e compositore venezuelano d’eccezione
di Daniele Cutali
Raimundo Rodulfo è
stata un’autentica rivelazione per il sottoscritto.
Eccezionale polistrumentista venezuelano, su strumenti a corde, compositore nel
significato più profondo e classico del termine e abilissimo nelle
orchestrazioni e negli arrangiamenti, ha autoprodotto due a dir poco fantastici
album in studio, Dreams e The Dreams Concerto, reperibili qui in Italia presso
la Mille Records di Roberto Guarnieri (http://digilander.libero.it/stratocaster67/),
e due album dal vivo, To Live a Dream Official Bootleg e To Live a Dream
Official Bootleg 2, esclusivamente scaribabili dal suo sito Internet www.RaimundoRodulfo.com
utilizzando alcuni codici presenti nei primi due dischi in studio e quindi non
raggiungibili da chi non possieda entrambi quest’ultimi.
Nonostante possa sembrare che il musicista pecchi di fantasia nel dare i titoli
ai suoi lavori, la sua musica è tutt’altro che priva di estro e creatività.
Cerchiamo di comprendere la complessa personalità di questo ingegnere
elettronico proveniente dalla terra delle telenovelas (!) e che ora vive negli
States, le sue passioni e le sfaccettature che riversa nella sua musica
attraverso qualche domanda.
Lo staff di Movimenti Prog ti saluta, Raimundo, e ti ringrazia per la tua
disponibilità a rispondere alle nostre domande.
Una volta mi dicesti di avere origini italiane. Da dove, precisamente?
Ciao a tutti!
Mentre sto leggendo e rispondendo a questa intervista in inglese, mi viene in
mente un album dal vivo di una delle mie band italiane preferite, il Banco del
Mutuo Soccorso. In un concerto in Giappone, Francesco Di Giacomo si scusò con
il pubblico giapponese perché stava parlando in inglese, e disse: “Non è la
mia lingua e non è la vostra lingua” e sperava che la loro musica parlasse
per loro. Io ruberò le sue parole per questa intervista perché l’italiano e
lo spagnolo hanno più cose in comune tra di loro che non con l’inglese.
In Venezuela ci sono parecchie famiglie italiane ed è molto comune trovare
radici italiane in ogni famiglia. Nel mio caso, la famiglia dalla parte della
mamma di mia mamma proviene dall’Italia. Il cognome di mia mamma e di mia
nonna è Biaggi, ma non so di che regione specifica siano originarie: la loro
famiglia emigrò in Venezuela dall’Europa negli anni ’20.
Chi era italiano
nella tua famiglia? Tuo nonno?
La famiglia della mia nonna materna, come ti ho già detto.
Com’è nato il
tuo amore per la musica?
Ho sempre amato la musica, sin da quando ero un bambino cantavo e ballavo nel
momento in cui sentivo musica addirittura prima d’imparare a parlare (questo
è quel che dice mia madre).
Da quel che ricordo, iniziai ad ascoltare musica all’età di 7 od 8 anni
mentre ero in Conservatorio per breve tempo ad imparare a suonare il violino. Mi
piaceva un sacco la musica classica; una delle mie sinfonie preferite
quand’ero bambino erano le Quattro Stagioni di Vivaldi.
Più avanti cominciai ad ascoltare le rock-band che mio cugino più grande di me
ascoltava: Genesis, Yes, Pink Floyd, Black Sabbath, Zappa ecc… e quando ero un
giovanotto negli anni ’80 ascoltavo qualsiasi tipo di musica tu possa
immaginare., anche heavy metal e folk venezuelano. Mi ricordo che cominciai ad
ascoltare jazz quando avevo 17 o 18 anni.
C’era qualcuno legato alla musica nella tua famiglia?
Mia madre è una cantante meravigliosa, ha una grande voce naturale. Ho anche
qualche parente musicista ma non li vidi mai frequentemente durante la mia
infanzia. Sono cresciuto senza molte influenze musicali da parte di alcuno.
Che tipo di musica
catturò il tuo interesse all’inizio?
La musica classica e il rock. In un primo momento fui affascinato dai gruppi
hard rock, principalmente quelli inglesi come Deep Purple, Queen, Judas Priest,
Black Sabbath, e successivamente da quelli progressive e sinfonici come Yes,
Genesis e Pink Floyd. Ho scoperto i gruppi italiani, primi fra tutti la PFM e il
Banco del Mutuo Soccorso, solo più tardi. Mentre imparavo a suonare la chitarra
classica ero molto influenzato dalla musica barocca, principalmente Bach.
Quando cominciasti
a suonare, e quale strumento?
Sebbene cominciai a suonare il violino da bambino al Conservatorio, smisi presto
e cominciai ad interessarmi alla chitarra, sia acustica che elettrica. Avevo 12
o 13 anni. Mia madre mi comprò una chitarra acustica e feci un sacco di rumore
con essa per un po’ di tempo. Sono principalmente un autodidatta con la
chitarra, ho imparato guardando e ascoltando altri chitarristi.
Hai suonato in
qualche gruppo mentre eri a scuola?
Sì, un gruppo heavy metal rumoroso e crudo con qualcosina di classico. Ho
provato anche a suonare il basso in una band jazz per un breve periodo, verso la
fine degli anni ’80. Mi arrangiavo un po’ come bassista jazz ma ho
conosciuto molta buona musica jazz mentre facevo pratica e provavamo i pezzi
della band. Ho anche imparato però che la chitarra era lo strumento giusto per
me.
Come comiciò il
tuo interesse per la musica progressive?
Ascoltando i long playing di mio cugino più vecchio di me sin da quando ero
molto giovane. Conoscevo Yessongs, Foxtrot, The Dark Side of the Moon, Aqualung,
Sergeant Pepper’s Lonely Heart Club Band ecc. da quando avevo forse 11 anni.
Ma cominciai ad ascoltare attentamente e con un approccio più intellettuale
questo tipo di musica, così come altri generi tipo il jazz e la fusion, quando
avevo 17 o 18 anni. Iniziai a capire la bellezza e la grandezza di questa musica
quando cominciai ad annoiarmi di certa altra musica che io e i miei amici
ascoltavamo quando eravamo più giovani.
Quali gruppi
progressive ascoltavi o ascolti ancora adesso?
Tutti i grandi gruppi degli anni ’60 e ’70, gli stessi ai quali stai
pensando tu.
Amo specialmente il progressive italiano, una volta che ho scoperto così tanti
grandi gruppi per me sconosciuti fino a 10 anni fa quando ne conoscevo veramente
pochi.
Forse però mi stai chiedendo quali sono i miei gruppi preferiti e ti farò
qualche nome, più o meno “progressivo”: Yes, The Beatles, Gentle Giant,
Frank Zappa, Genesis, Jethro Tull, Pink Floyd, Focus, PFM, BMS, Arti &
Mestieri. Gruppi fusion come Return to Forever, Mahavishnu Orchestra e Weather
Report. Ascolto anche parecchia musica non strettamente progressiva, intendo
Bela Fleck, Peter Frampton, Dire Straits, Sting ecc. e musica folk dal Venezuela
e altri paesi.
Adesso non ho più quell’entusiasmo giovanile che avevo qualche anno fa circa
qualche gruppo o artista specifico, perché passo troppo tempo suonando e
lavorando per la mia musica. Possiedo centinaia di CD che non ascolto da anni.
Quali sono i
gruppi che hanno influenzato di più la tua musica?
La mia musica è forse influenzata da tutta la musica che mi piace, di ogni
genere e stile. Il vecchio Progressive e Rock Sinfonico, le band Jazz Fusion che
ti ho nominato prima, i compositori classici che adoro di più, così come la
musica venezuelana sono state influenze importanti nella mia vita sia come
musicista che come ascoltatore. Tutte queste influenze sono presenti nella mia
composizione e nel mio modo di suonare perché sono state parte del percorso che
ho seguito per imparare a suonare.
Quando compongo musica cerco di essere il più spontaneo possibile, non penso
mai: ”Adesso compongo una canzone con influenze del gruppo X o dell’artista
Y, o in quello specifico stile di musica Z”. Sto cercando di creare un mio
proprio linguaggio, con tutte quelle influenze e le mie idee personali.
Nelle tue
composizioni ci sono molti segni del tuo amore per le melodie classiche e i
ricchi arrangiamenti, che fa classificare la tua musica come progressive. Ma ci
sono anche segni di virtuosi chitarrismi tipici dell’hard rock e dell’heavy
metal, e ritmi latini.
In che misura sei legato a questi ultimi due generi?
Sono molto legato alla musica latina, perché sono nato in un paese sudamericano
con una forte cultura musicale latina e con una musica folk ricca di
caratteristici ritmi propri e stili particolari.
E mi piacciono tanto anche tutti i classici gruppi di hard rock con una forte
presenza di chitarra, come Deep Purple e Rainbow con i virtuosismi di chitarra
di Ritchie Blackmore. Sono cresciuto ascoltando tutta questa buona musica, rock
‘n’ roll, classica, folk latino, jazz ecc.
Come hai imparato
a fare certi incredibili arrangiamenti e melodie classiche, come se fossi un
reale compositore dei secoli passati?
Sono felice che ti piacciano così tanto quegli arrangiamenti sinfonici nella
mia musica. Anche a me piacciono tanto e mi sono divertito un sacco a comporli.
Ma non sono così grandi e complessi come quelli dei veri compositori classici,
sono fatti ad orecchio e con un comune senso musicale.
Un arrangiamento per me funziona bene solo se suona bene, in base solamente ad
un mio personale criterio. Non sono un compositore accademico ma un compositore
intuitivo che non ha paura di provare a fare grandi cose, anche se non so
esattamente come farle. Non ho seguito studi formali di composizione, ma ho
l’abilità naturale di costruire la musica nella mia testa e sono stato
veramente fortunato nel trovare alcuni musicisti, così saggi e pieni di
talento, che hanno saputo sviluppare musicalmente le mie idee e mi hanno aiutato
a convertirle in musica reale.
E’ difficiIe per te concatenare influenze così differenti come la
musica classica e profonde sonorità latine?
Mi viene naturale. Non faccio differenza di generi e stili musicali nella mia
testa, e tutto è solamente musica per me.
Cosa ne pensi
della musica progressiva italiana degli anni ’70?
La musica italiana ha cuore e anima come tutta la musica latina. Potrebbe essere
il calore delle comuni radici mediterranee o latine che percepisco in gruppi
come la PFM o il Banco, i quali sono potenti e virtuosi come le grandi band
britanniche, ma che hanno uno speciale tocco folk e latino che gente come me
apprezza veramente tanto.
Quali gruppi conosci del progressive italiano?
PFM, Banco, Le Orme, New Trolls, Locanda delle Fate, Il Rovescio della Medaglia,
Metamorfosi, Museo Rosenbach, Goblin, Arti e Mestieri, Il Balletto di Bronzo,
DFA, ecc.
L’Italia e la Gran Bretagna hanno dato alla luce veramente tanti grandi gruppi
rock progressivi.
Conosci qualche
band del moderno new-progressive? Italiano e non.
Beh, non so se possono essere classificati in quel modo, ma posso nominare
qualche gruppo che a me piace molto. Mi hanno sorpreso molto i DFA (Duty Free
Area ndr), una straordinaria band italiana di fusion. Suonai col mio gruppo al
BajaProg Festival a Mexicali, nel 2002, e i DFA erano lì anche loro. Rimasi
scioccato dalla loro esibizione: sono degli incredibili musicisti che suonano
una musica incredibile.
Mi piacciono molto anche gli After Crying. Sono una band nata intorno agli inizi
degli anni ’90 che è diventata presto un gruppo progressive classico, e anche
loro sono incredibili musicisti. Li vidi suonare a Caracas nel 2000 assieme ai Témpano,
un gruppo prog venezuelano nato negli anni ’70, che si è riformato negli anni
’90 e che è ancora adesso uno dei migliori gruppi prog del mondo. Ci sono gli
Isildur’s Bane, gli Anglagard, i Mary Newsletter, i Par Lindh e molti altri,
alcuni non così nuovi.
Grazie a Internet, adesso è possibile comprare e ascoltare tanta musica
meravigliosa di nuovi gruppi che altrimenti rimarrebbe sconosciuta.
Pensi che ci sia
qualche legame tra la tua musica e il progressive italiano, dal momento che il
Venezuela e l’Italia sono paesi latini?
Certamente. A me piace tanto il progressive italiano, e sento veramente tanti
elementi in comune con la musica dell’America Latina. Penso quindi che la mia
musica abbia molti elementi classici e folk in comune con la musica italiana. La
musica italiana e quella venezuelana sono così vive e allegre, e sono capaci di
trasmettere le gioie della vita al pubblico che le ascolta.
Perchè hai scelto di usare le liriche e il cantato in spagnolo?
Non ho scelto io lo spagnolo ma lo spagnolo ha scelto me, in quanto sono
cresciuto in Venezuela.
Penso che la musica prog suoni molto bene quando è cantata in spagnolo, e lo
stesso è successo quando i gruppi prog italiani scelsero di cantare i loro
testi nella loro lingua. Non potrei mai immaginare, per esempio, la musica del
Banco cantata in un’altra lingua che non sia l’italiano.
In altre parole, adesso sto vivendo negli Stati Uniti e forse lavorerò in
futuro con cantanti americani. Forse quando sarà il momento sceglierò di
comporre testi in inglese, o di tradurre alcune delle mie liriche dallo spagnolo
per essere cantate in inglese.
Non pensi che con dei testi in inglese tu possa raggiungere un più
ampio raggio di paesi?
Sì, è vero. Questa è la ragione per cui grandi gruppi come la PFM registrò
alcuni album in italiano e in inglese allo stesso tempo. Ciò permise loro di
raggiungere un pubblico più ampio.
Un’importante casa discografica in Europa, distributrice di musica
progressiva, si rifiutò di distribuire The Dreams Concerto perché è cantato
in spagnolo invece che in inglese.
Forse registrerò della musica cantata in inglese in futuro, ma non perché
tenterò di raggiungere un altro tipo di pubblico. Lo farò solo per il fatto
che adesso vivo negli Stati Uniti.
C’è una ragione
particolare per la quale hai scelto Beatriz Rivas e la sua bella voce, a parte
il fatto che è anche una bellissima ragazza, per cantare le tue composizioni?
L’hai detto tu stesso: la sua bella voce. E’ un’incredibile cantante;
canta allo stesso modo di come appare: fantasticamente. E’ anche una persona
molto affascinante, veramente di talento e molto gentile.
Nei tuoi album
c’è la presenza di altri due Rodulfo: il pittore americano Peter e il
sassofonista americano Pablo Gil. Hai qualche relazione di parentela con loro,
in qualche modo?
Pablo Gil Rodulfo è mio cugino. E’ un virtuoso del flauto e del sax con una
grande carriera musicale professionale come musicista e compositore jazz in
Francia, Stati Uniti e Venezuela.
Peter Rodulfo è un lontano parente. E’ veramente un bravo pittore e vive in
Inghilterra.
Attualmente Pablo è cittadino venezuelano mentre Peter ha la cittadinanza
britannica, nonostante siano nati entrambi negli Stati Uniti.
Come hai incontrato Peter Rodulfo e com’è nata la sua collaborazione
permanente con te?
Ci siamo conosciuti tramite Internet, mentre lui stava conducendo delle ricerche
circa la presenza di parenti in Venezuela e Trinidad, dove alcuni Rodulfo legati
alla sua famiglia vissero più di un secolo fa. Ci sono radici familiari comuni
per entrambi. E’ stata una casualità che ci ha permesso di lavorare insieme
con le nostre forme diverse d’arte.
Peter è un pittore rinomato in Europa, e la sua arte è così immaginifica e
complessa come forse anche la mia musica lo è. E’ anche una persona molto
gentile, così mi ritengo fortunato ad averlo conosciuto ed essere diventato suo
amico.
Il lavoro di Peter
Rodulfo collegato ai tuoi album mi ha fatto pensare ovviamente alla relazione di
altri pittori con altri musicisti, come forse la più famosa del prog-rock:
Roger Dean e gli Yes. Pensi che ci sia la stessa relazione fra voi due?
La musica e le arti plastiche, così come la scultura, le arti drammatiche e il
cinema, sono differenti espressioni delle stesse cose: la creatività
dell’intelletto umano e le emozioni umane. Tutte queste espressioni lavorano
insieme, e ognuna si nutre dell’altra.
Forse in una forma d’arte complessa come la cinematografia troverai che tutte
queste espressioni lavorano insieme in una sinergia artistica: hai un copione o
un libro con una storia, hai una colonna sonora con composizioni e temi
originali, quindi hai l’applicazione delle arti drammatiche con attori e
designer artistici che sono in realtà scultori o pittori (come ne L’Ultimo
Imperatore di Bernardo Bertolucci).
La musica e le arti plastiche si connettono perfettamente, al punto che puoi
“ascoltare” un quadro o “vedere” la musica. Infine, immagini e suoni
giungono al nostro cervello come segnali sensori e vengono convertiti in
memorie, e luce e suoni non sono altro che entrambi fenomeni fisici ondulatori.
Premesso questo, posso dirti che la prima volta che vidi i quadri di Peter
sentii immediatamente una connessione con la mia musica. Alcuni tipi di
tematiche oniriche che collegai mentalmente con i concetti associati alla mia
musica e ai miei testi. Se guardi il suo lavoro pieno di colori e sensualità
con molti elementi presi dalla natura e dalle differenti culture dell’umanità,
puoi realizzare che tutti quegli elementi sono presenti nella musica latina, e
quindi anche nella mia musica. L’incredibile complessità del lavoro di Peter,
in alcuni casi, coincide con la complessità nella mia musica, perché è di
tipo naturale che viene dal linguaggio e dall’ispirazione artistica personale
dell’autore, e non da un’intenzionalità preconcetta.
Come sei arrivato
a pensare di relazionare la tua musica ad un modello matematico frattale?
Io percepisco la musica in molti modi, anche matematici, e attualmente è così.
Per un musicista autodidatta, che ha una formazione accademica in ingegneria o
scientifica, è anche un modo confortevole di pensare e creare musica,
esprimendola in un linguaggio forse più semplice per lui da comprendere.
Sviluppai questo modello matematico per un segmento del Secondo Movimento del
Concerto, in un tema intitolato Mathemàtica y Arte II. Questo modello è
direttamente in relazione con le strutture dei tempi musicali. Le equazioni
presenti nel booklet del CD controllano diversi strumenti musicali che suonano
nell’estratto del Movimento.
Non pensi che la
complessa spiegazione di questo modello, che hai fatto nel booklet di The Dream
Concerto, sia un po’ fredda se paragonata alla passione e i colori che vengono
fuori dalla tua musica?
Sì, è questa è la vita. Matematica e Arte è il dilemma presente in questo
lavoro. Quando alcune persone guardano le immagini riprese dagli osservatori
astronomici, esse si meravigliano della bellezza del cosmo e della composizone
“artistica” della luce delle stelle. Altra gente, come gli astrofisici,
guardano alle stesse foto pensandole come un giocattolo scientifico per i loro
complessi studi sull’Universo. Esistono i due lati della moneta, presenti
nell’arte e nella vita.
Io non voglio escludere dal mio lavoro nessuna delle differenti visioni con cui
guardo la vita e la musica, ma so che la maggior parte della gente non è
interessata all’approccio scientifico e lo ascolterà solo come musica, che è
la cosa più importante del mio lavoro. La maggior parte della gente compra
un’auto nuova e non si ferma a leggere prima il manuale e i diagrammi dei
cicli del motore: girano solamente la chiave d’accensione e corrono via.
Sebbene Tony Banks una volta diede una spiegazione simile delle scale
musicali su pianoforte con una serie di Fibonacci, alla quale è legata la
maggior parte delle composizioni dei Genesis, quella data da te è molto più
elaborata della sua, includendo calcoli di derivate e integrali. Non sono tutti
questi esempi una prova “forzata” per intrecciare i tuoi studi
d’ingegneria elettronica col tuo amore per la musica?
Il mio modello musicale matematico è stato forzatamente studiato per essere
complesso così com’è, in ordine per poter tradurre i complessi tempi
musicali poliritmici di questa parte del Secondo Movimento, intitolato Modelo
Exacto de 7! La sovrapposizione di differenti tempi pari e dispari, suonati da
quattro strumenti a percussione, più basso, tastiere e chitarra solista, e
l’intenzione di far suonare tutto l’insieme come musica e non suoni
incomprensibili, è un processo complesso nel quale non ci sono solamente
criteri matematici ma direzioni musicali e artistiche, più che fredde
equazioni. Questo è un approccio matematico alla musica più che un approccio
musicale alla matematica. Almeno questo è il modo in cui ho sviluppato i due
minuti di quel segmento. Andrés Briceño, il grande batterista venezuelano che
suona in The Dreams Concerto, utilizza le partiture di batteria della canzone
Mathemàtica y Arte II per insegnare tempi composti ai suoi studenti di batteria
e percussioni, così sono veramente felice di aver creato questo strano pezzo di
musica.
Le serie di Fibonacci sono la matematica della natura, e anch’esse in effetti
sono molto belle. Ho usato una serie di Fibonacci nella suite elettrica del
Secondo Movimento del Concerto per costruire un’improvvisazione di chitarra
elettrica nell’inizio.
Il mio modello matematico non è naturale, è un’architettura musicale
artificiale fatta per accomodare differenti schemi di tempo in una composizione.
Ci sono molti studi matematici applicati alla musica, ma non troverai mai una
spiegazione dettagliata di questo tipo di teorie in un booklet di CD. E’
normale che molta gente trovi questa roba noiosa e confusa, e chiedo loro
gentilmente solo d’ignorare quelle pagine del libretto e godersi
tranquillamente il lavoro musicale, che è la cosa più importante del disco.
Ripeto, non devi leggere l’intero manuale meccanico per guidare un’auto, e
il costruttore mette queste informazioni sapendo che la maggior parte delle
persone non le userà, ma forse a qualcuno potranno interessare. Ho ricevuto
parecchie e-mail da persone che erano affascinate dalla matematica contenuta in
The Dreams Concerto, e che mi hanno fatto molte domande riguardanti il modello,
i frattali ecc. ma la maggior parte della gente che mi scrive commenta
ovviamente solo la musica.
E’ difficile per
te far coesistere il tuo lavoro d’ingegnere elettronico con le date per
suonare dal vivo, anche in paesi stranieri?
Tutti i musicisti con lavori quotidiani hanno questo tipo di problemi. E’
difficile alle volte, ma c’è sempre tempo per fare le cose che realmente ti
piacciono. E’ difficile mantenere in attività un progetto musicale mentre si
lotta per la vita di tutti i giorni, come ognuno di noi fa, ma allo stesso tempo
è un modo per sfuggire alla routine, suonando e componendo musica, che è
veramente un divertimento per me.
Com’è considerata la tua musica nel tuo paese?
Sinceramente non lo so. Spero che la gente nel mio paese ascolti la mia musica
così come viene ascoltata in altri paesi. Ho conosciuto molte persone in
Venezuela alle quali è piaciuta la mia musica, ma alcune di esse sono amici così
non posso prendere seriamente in considerazione la loro opinione. La
distribuzione e la promozione per questo tipo di musica è difficile in America
Latina (e penso nel mondo intero). I miei dischi sono produzioni indipendenti,
ma essi “dipendono” da distributori e rivenditori specializzati per
raggiungere il pubblico.
Beatriz Rivas è abbastanza famosa in Venezuela. E’ stata un’utile
spinta per la tua musica nel tuo paese?
La mia musica è stata a malapena promossa e distribuita nel mio paese in questi
giorni, fatto dovuto principalmente alla sua corrente situazione economica.
Spero che le cose migliorino presto. Chi compra i miei dischi è principalmente
un pubblico di ascoltatori progressive in tutto il mondo, e sai bene che questo
tipo di musica non è così popolare. Mi piacerebbe che un pubblico di tutti i
generi ascoltasse la mia musica perché penso che ci sia qualcosa un po’ per
tutti i gusti.
Beatriz vinse lo scorso anno un concorso di musica pop alla televisione
venezuelana, e canta in una rock band. Forse The Dreams Concerto piacerebbe ad
alcuni suoi fan perché la sua voce è grandiosa lì.
Adesso una domanda di rito: cosa stai pianificando per il futuro? Ci sarà un
terzo “Dream” o ci sarà qualcosa di completamente differente?
Sto registrando il mio terzo album in studio, che sarebbe il quinto se consideri
i due bootleg ufficiali scaricabili dal mio sito personale. S’intitolerà
Dreaming Again... NO! Sto scherzando! Si chiamerà Libertad. Niente più titoli
con la parola “Dream” per un po’ di tempo, sebbene oggi in Venezuela la
libertà sia ancora un sogno.
Penso che il prossimo album sarà leggermente differente, ma sono sicuro che la
gente a cui sono piaciuti i miei altri lavori troveranno elementi familiari in
questo.
Stai pianificando di prendere parte ad altri festival progressivi o
convention del genere?
Sì, ho dei piani per futuri spettacoli e sono stato pre-invitato ad unirmi a
due festival, ma questo non significa necessariamente che sarò presente nella
lista finale dei partecipanti. Spero vivamente che ciò accada, e spero di
potervi partecipare nuovamente con una grande band al completo come è successo
per il BajaProg Festival a Mexicali.
Grazie infinite
per la tua gentilezza e per il tuo tempo, Raimundo, e noi tutti speriamo di
ascoltare al più presto altri capolavori da te prodotti. Speriamo anche che
prenderai in considerazione Movimenti Prog per future recensioni dei tuoi
lavori.
Grazie a voi per questa intervista e per aver incluso la recensione di The
Dreams Concerto in Movimenti Prog. Mi è piaciuto molto chiaccherare con te e
spero di poter parlare ancora con te il prossimo anno circa l’uscita del mio
nuovo album.
Saluti a tutti i membri e ospiti di Movimenti Prog!
20/07/2003.
Manticornio, México
www.manticornio.com
Entrevista con Raimundo RODULFO, guitarrista venezolano en una línea progresiva clásica.
ATC- Qué tal Raimundo. Mucho gusto. ¿Sabes? Estuve escuchando tus Bootlegs y lo que oí me agradó bastante. ¿Cómo fue que definiste tu estilo musical?
Raimundo- Hola Alfredo. Un saludo muy cordial a toda tu audiencia y a tus lectores. Creo que mi estilo, si existe, se formó por sí sólo. No hubo ninguna intencionalidad en crear o seguir un estilo. Sólo me he dedicado a componer y tocar mi propia música, sin ningún tipo de restricciones ni concesiones comerciales o estilísticas. Quizás esa libertad e informalidad en fusionar cualquier tipo de géneros y elementos en mi música es lo que pueda haber definido algún estilo.
ATC- Algo de lo que más me llamó la atención fue tu capacidad por mezclar los elementos folk a un rock de corte sinfónico. ¿Qué artistas en esta línea dirías que son tu inspiración?
Raimundo- Escucho música de todos los géneros; clásica, jazz, rock de todos los estilos, y música folklórica del mundo, en particular de mi país que tiene una variedad impresionante de ritmos y expresiones musicales, algunas de ellas muy complejas e interesantes. Toda la música que me gusta y he seguido por años sin duda me inspira y me alimenta como músico, para crear mis composiciones y poco a poco ir estructurando un lenguage propio. Pasaría días hablando de las bandas y de los artistas que más aprecio, de todos los géneros. En el rock progresivo y sinfónico, creo que coincido con la mayoría de los seguidores del género, acerca de las bandas e intérpretes esenciales. Mis compositores clásicos predilectos son BACH, BARTÓK, BEETHOVEN, RACHMANINOFF, entre otros. De la música de Venezuela, Aldemaro ROMERO, Antonio LAURO, Rodrigo RIERA, Alirio DIAZ, ENSAMBLE GURRUFÍO, Simón DIAZ, Manoroz, Huascar BARRADAS y muchos más. En el jazz, Chic COREA, WEATHER REPORT, MAHAVISHNU ORCHESTRA, George BENSON, Allan HOLDSWORTH, entre otros. Me gusta mucho también la música de Bela Fleck y Sting.
ATC- Tocaste tu primera guitarra a los seis años de edad. ¿Qué sueños forjaste después de esa primera experiencia con la música?
Raimundo- En realidad comencé con el violín, como a los 7 años. Creo que con la guitarra comenzaría a los 11 o 12. Cuando empecé a estudiar música a tan temprana edad no tenía mayor interés, creo que me aburría y por eso no continué estudiando ni tocando violín. Con la guitarra comencé porque me gustaba mucho escuchar música, y parecía ser un instrumento que de alguna manera siempre estaba presente, sobre todo en el rock. Con la guitarra clásica mi primera inspiración fue Alirio DIAZ, tocando música de BACH. Creo que siempre soñé con tocar mi propia música, tener grupos, etc., y sobre todo grabar un disco.
ATC- Como profesional, ¿De dónde nacen tus inspiraciones musicales?
Raimundo- A veces las composiciones nacen por generación espontánea en mi cabeza, como melodías o formas aisladas que luego comienzo a plasmar en la guitarra y al final como temas más complejos para grupo o varios instrumentos. Seguramente mis experiencias personales y mis estados de ánimo influyen en ese proceso, aún no sé cómo. A veces de sólo improvisar con una guitarra puede salir parte de una canción.
ATC- ¿Y hacia dónde llevas tus composiciones? ¿Cuál es tu responsabilidad social en lo que interpretas?
Raimundo- Soy un compositor que hace un énfasis primordial en la música, como una forma de arte y como un lenguage en sí mismo, que es capaz de transmitir emociones y mensajes. En las ocasiones en que mi música incluye un elemento lírico, éste se enmarca dentro de un concepto más amplio, asociado a la obra como un todo. El objetivo primordial que me planteo al crear y planificar una producción musical es la obra en sí misma, que aunque pueda llegar a trascender a un ámbito social o cultural, no ha sido creada con esa finalidad. No he pensado nunca en la responsabilidad social de mi música, creo que nunca me he fijado un compromiso de esa naturaleza a la hora de componer o tocar. Yo creo que los artistas son ciudadanos como cualquiera que forman parte de una sociedad, sufren las mismas calamidades que todo el mundo, y por ello tienen todo el derecho de expresarse a través de su obra. Aunque los artistas tienen los mismos deberes que conlleva el ser parte de una sociedad, no creo que el arte como tal deba tener un propósito; pero, si lo tiene, tampoco deben haber mordazas que le impidan expresarse.
ATC- Me parece que tras haber grabado un disco de estudio, has tenido mucha participación en festivales y conciertos. ¿Cuándo llegará tu segunda producción?
Raimundo- He grabado dos discos en estudio, "Dreams" (2000) y "The Dreams Concerto" (2002). Estoy actualmente grabando mi tercera producción en estudio, que talvés salga para el año que viene. He producido dos álbumes en vivo como “bootlegs” oficiales, a través de mi página web www.RaimundoRodulfo.com, donde recojo algunas presentaciones en vivo con diferentes formaciones de mi banda, como BajaProg 2002 en México, los festivales ProgJazz 2001 y 2002 en Venezuela y un concierto de The FLOWER KINGS en Caracas donde tocamos en el 2000.
ATC- Me hubiera gustado mucho conocerte en el BajaProg. ¿Cómo te fue? ¿Qué te llevaste de México?
Raimundo- Fue una gran experiencia, me llevé el aprecio y el calor del público de Mexicali para el que tocamos, y los mejores recuerdos de la hospitalidad de los organizadores, la amabilidad de los habitantes de la ciudad con quienes compartimos, los otros músicos y melómanos del festival, y un sinfín de memorias y emociones de esos días llenos de música y alegría. La pasamos muy bien!
ATC- Parece que la participación de América Latina en la escena del rock progresivo, es un tanto limitada. Sin embargo es gracias a artistas como tu que cada vez suena más fuerte. Específicamente, ¿cómo ves la participación de Venezuela en este género musical?
Raimundo- En los `70s bandas como La OFRENDA de Vytas BRENNER, TÉMPANO, ADITUS, ESTRUCTURA y FICCIÓN fueron pioneros del género en Venezuela. De todos ellos, TÉMPANO ha tenido la trayectoria más larga, siendo hoy en día la agrupación más importante de ese género en Venezuela, y una de las más importantes en la escena latinoamericana y mundial. Su último disco "La Agonía y el Extasis" es una obra maestra que está dando mundialmente mucho que hablar entre los seguidores del rock progresivo y sinfónico. Vytas BRENNER fue pionero en incorporar el folklore venezolano al género, y produjo una discografía esencial para los coleccionistas de todo el mundo. Hoy en día hay cerca de diez agrupaciones activas en Venezuela haciendo rock progresivo, cada una en su propio estilo. Varias como KRE, PIG FARM ON THE MOON y RC2 tienen nuevos discos este año. Creo que todo esto configura un aporte importante al género.
ATC- ¿Por qué un artista como tu decide enfrascarse en un género musical tan específico, pudiendo tener mayor probabilidad de fama en algún estilo comercial?
Raimundo- Yo hago música porque lo disfruto, desde una perspectiva artística y aventurera. Y lo disfruto porque me gusta la música que hago, si la hubiera compuesto otra persona y yo pudiera escucharla como público, estoy seguro que también me gustaría. No toda la música que se hace con fines comerciales es buena, pero tampoco toda es mala. Sin embargo, no es por lo general la música que me gusta, y por lo tanto no estoy motivado a componer en ese rumbo. Otra razón importante es que yo no vivo de la música, y no compongo pensando en cuántos discos voy a vender o cuán conocido voy a ser por eso.
En cuanto a géneros, no creo que hasta ahora me haya enfrascado en alguno en específico. Aunque mi música sea catalogada como rock progresivo, rock sinfónico, jazz fusión, folk, etc., el día de mañana quizás no se parezca a nada de eso. Sin embargo, yo estoy contento con todas esas etiquetas porque son géneros muy abiertos y que aman la libertad, la improvisación y la experimentación.
ATC- Debo decir que tu música me gustó mucho. Más aún porque defines una tendencia con raíces propias. En general, ¿cuál es tu definición de rock progresivo?
Raimundo- Creo que un género con el que definen a grupos tan distintos como KING CRIMSON, YES, JETHRO TULL, ELP, VDGG y otros cientos de grupos y artistas tan diferentes entre sí, es un género imposible de definir. Creo que en general, es una música libre y arriesgada, con suficiente espacio para la improvisación y la fusión de elementos de otros estilos.
ATC- Te agradezco el tiempo para Manticornio. ¿Hay algo con lo que quieras terminar esta charla?
Raimundo- Sólo agradecerte por esta oportunidad de comunicarme con tus lectores, y en general con el público que al igual que nosotros comparte el amor por la música. Agradezco en especial al público progresivo mejicano que me recibió con tanto cariño en BajaProg, y a todos los que se han interesado en mi música y me han dado su apoyo. Mis mejores deseos para todos.
© 07/2003 Alfredo TAPIA para www.MANTICORNIO.com
19/05/2003.
Planeta Rock, Argentina.
http://planeta-rock.com.ar/
Entrevista a Raimundo Rodulfo:
El multi-instrumentalista venezolano Raimundo Rodulfo no solo nos deleitó con su música en "The Dreams Concerto", sino que además nos prestó
un rato de su tiempo para contarnos sus ideas y pensamientos sobre su música. Que la disfruten!!!.
Cómo te sientes musicalmente Raimundo a dos años de tu primer álbum, y ya con tres disco editados bajo tu nombre?
Me siento apenas en el comienzo, como un niño pequeño que descubrió que puede hablar. Estoy en un proceso de aprendizaje y experimentación, descubriendo
mi propia capacidad creativa y tratando de desarrollar un lenguaje propio. Estoy contento por el trabajo realizado, y con muchas ideas en proyecto y ganas de
continuar componiendo y tocando mi música.
Qué diferencias encuentras entre "Sueños" y "The Dreams Concerto" del año pasado? Cuál es el concepto de álbum utilizado en éste último?
Son dos obras diferentes, tanto en concepto como en composición y producción. "Sueños" es una obra musical totalmente instrumental, complementada con un
elemento literario y elementos plásticos y audiovisuales, en un "enhanced CD". Hay una historia detrás del concepto artístico integral. Instrumentalmente es
medianamente diverso y complejo, 8 músicos invitados formando un ensamble de rock ampliado con instrumentos acústicos. La música está dividida en 6 temas y
una suite, cada uno con su propia personalidad.
"The Dreams Concerto" es una obra musical orgánica, es un Concierto para Guitarra, Grupo y Orquesta de Cámara en tres movimientos. Instrumentalmente es
mucho más rico y complejo, también en el ámbito de la composición y la producción, e incluye numerosos segmentos vocales y líricos. Es también una obra más
extensa y más densa. Es un proyecto más ambicioso, porque en él pretendo mezclar dentro de un concepto tradicional, como es el Concierto para Guitarra, estilos
musicales muy diversos como el rock, la música clásica de los periodos Renacentista y Barroco, el jazz y la fusión, el blues, la música folklórica venezolana y
afro-venezolana, e incluso elementos electrónicos y experimentales, como por ejemplo un modelo matemático aplicado a la música. Jugando con 6 ensambles
musicales distintos, de hasta 20 instrumentos, trato de recrear en las diversas partes de la obra distintas visiones del mismo concepto, apelando a todos los
elementos musicales que tengo a la mano, en lo cual he sido poco ortodoxo al no haber aplicado ningún criterio preconcebido de qué está bien o qué está mal,
salvo mi juicio particular a la hora de componer y tocar. Respecto a "Sueños", "TDC" es a mi juicio un paso adelante para mí como artista.
Sobre el final agradeces a reconocidos personajes de variadas especialidades como la música, el arte y la historia. Esta diversidad es la misma que
utilizas a la hora componer y optar por diferentes estilos?
Creo que sí. Mi gusto ecléctico y heterogéneo en la música y el arte en general me impide ser discriminativo o tradicionalista a la hora de componer. Mis otros
intereses en el área científica y tecnológica me motivan también a investigar y experimentar con la inserción de otros elementos no necesariamente musicales dentro
de mi obra. Como comentaba en la pregunta anterior, no tengo ningún criterio formado, de tipo estilístico, académico, etc. de qué es correcto y qué no, actúo con
total libertad y mente abierta a la hora de trabajar en mi obra, sin miedo a traspasar alguna línea entre lo que se considera apropiado o no. Creo que tengo una
gran confusión en mi mente donde al final todos los géneros musicales terminan siendo una misma cosa, y creo que igual me sucede con todas las ideas creativas
dentro y fuera del arte. Trabajar con la colaboración de un gran artista plástico como Peter Rodulfo me motiva también a explorar otras dimensiones en el proceso
creativo.
Se nota que eres amante de la música clásica, especialmente de la Barroca, del jazz, del folk, y por sobre todo del progresivo. Pero cuál es el que
mas te satisface hacer?
Lo que más disfruto es componer música que al escucharla, me satisfaga también como oyente. Tratar de imaginar que es la obra de otro músico, y descubrir si me
parece interesante y emocionante, olvidándome de las etiquetas, y sin expectativas de cualquier índole. Sin embargo, no niego que a veces de manera intencional
trato de visualizar un tema o un segmento en función de un estilo en particular, como "vamos a hacer que esta parte suene un poco más jazzy", o "más heavy", o
"veamos que pasa si cambiamos el tempo a 7/8" y cosas por el estilo, es bastante divertido experimentar con la música.
Siempre eres de grabar, ya que tu música lo requiere, con mas de quince músicos en estudio. Cuando tienes que tocar en vivo, como en el BajaProg
de 2002, también reclutas a todos estos músicos, o son menos en escena?
Ojalá pudiera contar con todos ellos a la vez para tocar en concierto, pero es imposible. Todos son músicos profesionales muy ocupados, la mayoría con otros
trabajos dentro y fuera de la música. He sido afortunado de contar con la colaboración de grandes músicos de mi país como Andrés Briceño, Pedro Castillo,
Pablo Gil, Carlos Orozco y una larga lista de más de 20 músicos extraordinarios que han sido muy generosos en ceder parte de su valioso tiempo en participar en
mis discos y conciertos. En BajaProg toqué con un ensamble de 8 músicos (batería, percusión, bajo, teclados, flauta, flugelhorn, violín, voz y guitarras). Lo más
que he logrado reunir en vivo es un ensamble de 11 músicos, en el concierto ProgJazz 2002, los mismos que en BajaProg más arpa, maracas y contrabajo.
A pesar de contar con muchos músicos en tus grabaciones, eres un multi-instrumentalista ya que tocas todo tipo de guitarras, percusión, mandolín,
bajo, etc. Eres habitualmente de escuchar músicos de estas características como Mike Oldfield?
Como instrumentista me enfoco particularmente en las guitarras, acústicas y eléctricas. Sólo interpreto el bajo y la percusión en algunos de los temas cuando grabo
mis discos, por razones de tiempo y facilidad, ya que he contado con la colaboración de verdaderos bajistas y percusionistas, que a diferencia de mí, sí se han
formado en la ejecución de esos instrumentos. En mis discos participan hasta 15 músicos distintos, no me llama la atención hacer un disco del tipo
"hombre-orquesta", ya que disfruto más compartir el proceso con otros músicos. Mis discos favoritos ejecutados por un solo músico son "Olias of Sunhillow" de
Jon Anderson y "Tubular Bells" de Mike Oldfield, son obras maestras. Aunque es algo radicalmente distinto, también me sorprende la manera en que Robert Fripp
crea en tiempo real densas atmósferas musicales a través de sus "Soundscapes".
Otro de tus agradecimientos, está dirigido, entre tantos otros, hacia The Beatles y a Jon Lord de Deep Purple. Sin embrago, ambos no hacen
directamente la misma música que la tuya.
Yo no imagino la música popular en la actualidad sin el aporte fundamental de los Beatles. Tampoco imagino que sería de la música en general si no hubiera nacido
JS Bach. Y posiblemente si Jon Lord no hubiera creado un concierto para grupo y orquesta en 1969, o la Gemini Suite, otros músicos de rock no se hubieran
atrevido a hacerlo posteriormente. Hay personas que nacen con el talento y la perseverancia necesaria para cambiar en mayor o menor medida el curso de la
historia, yo creo que aquellos que nos hemos beneficiado de esos cambios estamos en deuda con ellos por siempre.
Actualmente estás trabajando en un nuevo álbum o estas emprendiendo una nueva gira?
El año pasado compuse la música de mi tercer álbum en estudio, que se llamará "Libertad". Lo grabé totalmente en una forma simplificada, sólo con guitarras y una
sección rítmica temporal, y ahora estoy en el lento y arduo proceso de realización de arreglos para otros instrumentos, y ya he grabado una que otra pista de
guitarra. He invitado para este disco a varios de los músicos que participaron en The Dreams Concerto, y a otros nuevos. Algunos de ellos ya están conociendo y
trabajando en ciertos temas. A excepción de una suite de más de 30 min. de duración, el resto de los 7 temas del disco se salen un poco del formato conceptual y
épico de mis otras dos producciones. Este disco quizás llegue a ser un punto de equilibrio entre los dos primeros, con algunos arreglos orquestales como en el
Concerto, y algunos temas, varios de ellos cantados, en el estilo más relajado de "Sueños", y uno que otro tema radicalmente distinto de lo que he hecho hasta
ahora. Creo que ya para el año que viene empezarán a grabar sus partes los otros músicos, y posiblemente pueda terminar la producción en el 2005, todo
dependiendo de las ocupaciones de todos los músicos involucrados en el proyecto, y de los siempre cambiantes e impredecibles sucesos que nos afectan a todos.
Desde mi sitio en Internet www.RaimundoRodulfo.com planeo continuar colocando en un futuro próximo material de mis conciertos, a manera de bootlegs.
Eres un músico que recibe críticas muy favorables de países como Alemania, Inglaterra, Bélgica, Canadá, etc. Cómo reciben los críticos a tu música
en Venezuela?
Algunos medios especializados han reseñado muy positivamente mi música en Venezuela, aunque para ser sincero ha sido muy difícil e infructuoso lograr que los
medios de comunicación nacionales se interesen en mi trabajo musical, con muy contadas excepciones. Creo que por eso mi música no es muy conocida en
Venezuela, y además porque no es el tipo de música que se escucha normalmente por la radio y la TV. Lamentablemente mi país ha sido afectado por una terrible
crisis en todos los ámbitos, especialmente en lo económico, político y social, y el lanzamiento de mis discos ha coincidido con el recrudecimiento de todos esos
problemas. Ha quedado muy poco espacio para el arte en el país, y es absolutamente comprensible, cuando en Venezuela se ha instaurado la violencia y la
brutalidad de un régimen dictatorial anacrónico empeñado en destruir todo lo bueno que habíamos logrado como nación durante décadas de democracia. Tengo la
esperanza de que pronto vendrán tiempos mejores en los que retornarán la paz, la libertad y la alegría a Venezuela, y nuevamente se abrirán los espacios en el
público y en los medios para todos los artistas.
Finalmente te pido que nos dejes un mensaje, y que nos asegures que el pueblo argentino algún día podrá disfrutar de tu excelente música en vivo.
Estoy muy contento y agradecido por la oportunidad de compartir mi música y mis ideas con mis amigos de Argentina, a quienes espero muy pronto poder visitar y
conocer en persona. Nada me gustaría más que tener la oportunidad de ir a tocar con mi banda para allá, espero de verdad que pronto se den las condiciones
necesarias para que esto ocurra, porque el entusiasmo y el anhelo ya existen. Reciban por ahora mi aprecio y mis mejores deseos para todos.
Gracias Raimundo Rodulfo por estar en Planeta Rock
Por Alexis L. Berman
28/04/2003.
Nucleus, Argentina.
www.nucleusprog.com.ar/r-raimundo_rodulfo.htm
RAIMUNDO RODULFO
"El hacedor de sueños"
Por Sergio Vilar
¿Quién es Raimundo Rodulfo?
En buena medida mi música refleja lo que soy como artista y como persona, aunque sea sólo una de varias facetas de mi vida. En ese ámbito artístico, soy un
músico y compositor venezolano. Como instrumentista, me identifico principalmente como guitarrista.
¿Cómo te iniciaste en esto de la música?
Tenia como 7 u 8 años cuando me inicié en la música, a esa edad estudié por poco tiempo en un conservatorio. El instrumento con el que comencé fue el violín,
con el cual no llegué a identificarme mucho, y terminé perdiendo el interés. Poco después, cuando tenía 12 años, mi madre me regaló una guitarra acústica, y
comencé a aprender por mi cuenta. Algunos amigos que ya tocaban guitarra me daban consejos, y así fui poco a poco aprendiendo, principalmente de oído, y
tratando de imitar la música que escuchaba, entre otras cosas discos de guitarra clásica, y de los grupos de rock que mis amigos y primos mayores escuchaban.
¿Cuáles han sido tus influencias cómo instrumentista, dentro y fuera del rock progresivo?
Creo que mayoritariamente mis primeras influencias provenían de la música clásica, de la música de los grandes compositores. Yo escuchaba mucho los discos de
guitarra clásica de Alirio Diaz tocando obras de Bach y valses venezolanos, y eso me fascinó e influenció a temprana edad. También grupos de rock de muy
diversos géneros, como The Beatles, Deep Purple, Pink Floyd, Queen, Supertramp, Yes, Black Sabbath, Judas Priest, Van Halen y muchas otras bandas de rock
de diversos estilos que comencé a escuchar desde fines de la década de los 70's. Esos son mis recuerdos más tempranos como oyente, que obviamente me
influenciaron como instrumentista. Posteriormente, mi rango se amplió tremendamente, cuando comencé a escuchar jazz y música académica venezolana, y conocí
mejor a través de los años la música de las bandas que han hecho historia en el rock progresivo y sinfónico. Soy admirador de muchos grandes guitarristas, de
nombrarte algunos de los favoritos, no podrían faltar Di Meola, McLaughlin, Howe, Fripp, Clapton, Blackmore, Knofler, Santana, Satriani, Holdsworth, Benson y
un larguísimo etc. Todos son grandes intérpretes porque tienen originalidad, técnica y sentimiento. Esas son cualidades que deben influir positivamente en uno como
guitarrista, y motivar a trabajar bastante con el instrumento y a desarrollar un estilo propio.
Tu debut discográfico fue a través de “Dreams”, ¿qué recuerdos tenés acerca de esa obra?
Recuerdo los años previos a la producción del disco, así como los meses de su realización, como una lucha intensa por sortear obstáculos y dificultades para
poder llevarlo a cabo. Fue un trabajo muy duro para mí, porque tuve que construir un estudio de grabación, reunir un grupo de músicos que sintieran identificación
con mi música y con el proyecto, y después encargarme de todo el proceso de grabación y producción, sin el apoyo financiero de una disquera. Todo eso debía
hacerlo en mi tiempo libre, después del trabajo, por lo que en buena medida fue un proceso lleno de esfuerzo y sacrificios. Por otro lado, también recuerdo
innumerables momentos de satisfacción y alegría por realizar algo en lo que creía profundamente y que significaba un sueño hecho realidad, después de tantos años
de trabajo individual en la música. Siento que tanto esfuerzo y dedicación valió la pena con creces.
¿Qué nos podés contar del titulo del disco y de las canciones?
Yo concebí "Dreams" más que como un CD de música, como un concepto artístico integral . Posee un elemento musical, en 7 temas instrumentales que compuse
para guitarra y grupo; un elemento literario, consistente en un cuento de ciencia-ficción homónimo que escribí en directa relación con la música; un elemento
plástico, en 4 obras del artista británico Peter Rodulfo y 8 obras de la artista venezolana Anabella Delgado; un elemento audiovisual, en dos videos producidos por
Wilman Sirit; y un elemento técnico, plasmado en una sección multimedia de datos donde integré todos estos elementos, y proporcioné el enlace hacia la página del
proyecto en Internet.
El título del disco responde al carácter onírico de la obra, apreciable en el cuento y las pinturas, y también a lo que representó su producción para mí en lo
personal.
¿El resultado final fue el esperado por vos?
Si, en el momento en que produje el disco me sentí muy satisfecho. Lo bueno y lo malo que hay en esta producción, es producto de mis criterios como músico y
como productor. Como tuve el control de todas las etapas del proceso, desde la fase creativa hasta la de producción, soy enteramente responsable por todos los
aciertos o desaciertos del producto final. Con el paso del tiempo, cuando vuelvo a escuchar el disco, suelo ser más autocrítico y a veces quisiera tener la
oportunidad de rehacer algunas de las cosas que hice en ese momento de una manera distinta. Apartando esos inútiles ejercicios de perfeccionismo, estoy muy
orgulloso de este trabajo, y siempre tendrá un valor sentimental para mí.
¿Cómo llegó a concretarse el disco “The Dreams Concerto”?
Al igual que "Dreams", con mucha dedicación y trabajo. Aunque parte del camino ya estaba andado y había una plataforma construida para el primer disco, esta
obra era mucho más ambiciosa a nivel artístico y de producción. Era una obra musical para guitarra, grupo y orquesta de cámara, casi 80 min. de duración, más de
20 instrumentos musicales distintos, 15 músicos, más de 40 canales de grabación, un libro de 40 páginas... Fueron más de 6 meses intensos de grabación y unos 4
más de producción. Era como "Dreams" multiplicado por 5. La participación y el esfuerzo de cada uno de los artistas involucrados en este proyecto fue un apoyo
fundamental para lograr su concreción, así como el apoyo de mis amigos y mis seres queridos que creyeron al igual que yo en ese proyecto.
Una de las caracteristicas más notables en tus discos es la gran cantidad de invitados que han participado en calidad de invitados, ¿Cómo
conseguiste reunir a todas esas figuras? ¿Qué le aportaron a tus trabajos cada uno de ellos?
He tenido la suerte de contar con buenos amigos, que al mismo tiempo son músicos muy talentosos, y me han apoyado en la grabación y ejecución de mi música.
Cada uno ha aportado su técnica y talento como ejecutantes, agregando color e inventiva a través de su interpretación y de su propia visión de cada segmento
musical. Todos han atendido de manera muy generosa y entusiasta mi convocatoria. En "The Dreams Concerto", pude reunir un conjunto de 15 músicos, entre los
que se cuentan varios invitados especiales. Está Andrés Briceño, un baterista reconocido a nivel latinoamericano, quien aportó su increíble técnica y genialidad
como ejecutante, agregando elementos de percusión afro-venezolana adaptados a la batería, producto de su investigación musical de muchos años. Andrés y su
hija Linda, ambos también intérpretes de la trompeta, contribuyeron con el flugelhorn en varias secciones de la obra. También Carlos Orozco, un arpista folklórico
venezolano que ha revolucionado la ejecución del instrumento con su técnica y maestría. Y el flautista Manuel Rojas, quien integra con Carlos Orozco el ensamble
Manoroz, una agrupación revolucionaria en la música académica venezolana. Está Pedro Castillo, vocalista/guitarrista de Témpano, un excelente músico y
cantautor venezolano, quien contribuyó en las voces junto a Beatriz Rivas, una cantante con una extraordinaria voz. Está mi primo el saxofonista Pablo Gil, un
ejecutante de jazz de clase mundial, que ha acompañado a grandes músicos del género en Europa y EE.UU.
Y junto a ellos, tanto en ambos discos como en presentaciones en concierto, han participado músicos brillantes como el virtuoso violinista César Romano, el
tecladista Lermit Martínez, los percusionistas Alejandro Socorro y Alfredo Suárez, los maraquistas Euro Olivero y Caryasenri Orozco (un verdadero prodigio de
sólo 12 años de edad), el baterista Jesús Pérez, el flautista Frank Alburjas, el bajista/contrabajista Carlos Rodríguez, el bajista Ricardo Furiati, el violista Efraín
Ramírez, el vocalista César Hernández, el saxofonista Edgar Rodríguez, y un largo etc. de colaboradores en diversos ámbitos, que no podré nombrar en su
totalidad.
En la parte plástica, he tenido también el privilegio de contar con la colaboración de un gran artista británico, el pintor Peter Rodulfo, quien ha realizado numerosas
pinturas para mis discos. Como hecho curioso, Peter y yo nos conocimos por casualidad en la Internet, mientras él buscaba información sobre sus antepasados en
Latinoamérica. Peter le ha aportado una nueva dimensión a mis discos, al interpretar de una forma magistral el concepto de la obra musical, y plasmarlo en sus
pinturas con la fantástica imaginación y maestría que lo caracterizan como pintor.
¿Cómo llevas tu música al escenario? Me imagino que no debe ser nada sencillo...
Efectivamente es difícil, sobre todo al momento de montar una obra como "The Dreams Concerto", tan compleja instrumental y estructuralmente. Al momento de
adaptarla a un grupo de 8 músicos, hay que realizar numerosos arreglos para poder ejecutarla en vivo, aún cuando varios de los músicos nos las arreglemos para
ejecutar más de un instrumento en el escenario. Ejecutar mi música en vivo ha sido un trabajo grupal, en el que cada músico de la banda ha tenido una gran cuota
de aporte y participación.
¿Qué nos podés contar acerca de “To LIVE a Dream - Official Bootleg”? ¿Por qué decidiste presentarlo de esa forma?
Tocar en vivo los temas de mis dos discos me ha brindado la oportunidad de realizar arreglos distintos de las composiciones originales, permitiendo la inclusión de
nuevos instrumentos, nuevos solos, variaciones en las estructuras originales, invitados especiales, y mucha improvisación. Por eso, las grabaciones que he
acumulado estos últimos años de varias presentaciones en vivo, con diferentes formaciones grupales, representan un documento musical muy importante para mí. A
pesar que no tienen una gran calidad de grabación y mezcla, pués son tomadas casi siempre directamente de la consola de sonido, contienen momentos musicales
interesantes que quería presentar a la audiencia de mi música de alguna manera. Por otra parte, yo ya no vivo en Venezuela, y gran parte de esas experiencias
musicales con esos músicos difícilmente se repetirán en un futuro próximo. Por no considerar estas grabaciones en vivo con suficiente calidad de sonido para
producirlas como un CD comercial, decidí editarlo como un bootleg. Se me ocurrió entonces presentarlo como un álbum virtual en mi sitio de Internet, y limitar su
descarga a los que tuvieran mis dos producciones en estudio, de manera de restringir su descarga gratuita de alguna manera, y agregar algún tipo de elemento
promocional a mis primeros discos. Yo creo que el futuro de la comercialización y la producción de la música está en Internet y en los servicios por cable, el
mercado del disco compacto de audio cada vez se hace más reducido y menos rentable, y pronto será además obsoleto.
¿Pensás editarlo en algún momento en formato de CD?
He recibido un par de propuestas desde que coloqué el álbum en Internet. No creo que el sonido pueda llegar a mejorarse mucho más, pero quizás más adelante
cambie de opinión.
¿Preferís el estudio o los shows en vivo?
Los shows en vivo, es una experiencia que disfruto mucho más que grabar. La interacción con otros músicos en el escenario, y con el público, es irremplazable.
¿Cuáles son tus bandas preferidas actualmente?
Escucho todo tipo de música, siempre que me parezca interesante y bien ejecutada. Escucho mucho jazz, bien sea tradicional, fusion o latino; también blues y
música clásica, de todos los períodos, al igual que rock en casi todas sus formas, principalmente los grupos clásicos de los '60 y '70. Estoy últimamente
conociendo mejor la obra de algunos clásicos modernos y contemporáneos. Me gusta mucho la música folklórica de Venezuela y de todas partes del mundo,
ejecutada por músicos de calidad, con arreglos contemporáneos, como lo hace Huascar Barradas, Manoroz o Ensamble Gurrufio, por nombrar algunos. Disfruto
mucho la fusión de géneros y estilos que en la actualidad realizan músicos como Bela Fleck, Sting, Scott Henderson, Pat Metheny y Chic Corea, por nombrar
algunos. También los trabajos oscuros y experimentales, que desafían al oyente a descubrir nuevos lenguajes. Eventualmente, la música de bandas clásicas de hard
rock y heavy metal como Judas Priest y Black Sabbath. También sigo disfrutando con la misma devoción de mis discos "clásicos" favoritos de The Beatles,
Mahavishnu Orchestra, Return to Forever, PFM, Frank Zappa, Pink Floyd, Peter Frampton, Focus, King Crimson, Yes, Genesis, Jethro Tull, Rush, etc...
Para terminar, Raimundo, ¿cuáles considerás que son tus logros más importantes como artista hasta la fecha?
Componer y ejecutar mi propia música, sin concesiones comerciales, dejándome llevar sólo por la imaginación y el corazón. Hacer realidad mis sueños de producir
mi obra como músico independiente en Latinoamérica, sorteando muchos obstáculos. Reunir en mi obra a un grupo de excelentes músicos de mi país.
Gracias por tu tiempo. ¿Quieres agregar algo más?
Mi agradecimiento por brindarme esta oportunidad de compartir contigo y con tus lectores mis ideas y experiencias musicales. Un saludo y mis mejores deseos
para todos.
Sergio Vilar
20/03/2002
Revista Rock Total - Venezuela
Raimundo Rodulfo Triunfa en Mexico
El pasado jueves 07 de Marzo, la agrupación de Raimundo Rodulfo se convierte en la segunda banda venezolana en hacer historia para nuestro
país, participando en el prestigioso festival de rock progresivo "Baja Prog", que se realiza en México, una hazaña que en el universo del metal
equivaldría a una participación en el Ozzfest, el Dynamo o en el Wacken Open Air Festival. Pero este no sólo es un hecho importante para el rock
hecho en Venezuela debido a la presencia, también lo es debido a la calidad de la actuación, ya que la banda de Raimundo Rodulfo según la opinión
del público, quedaría como una de las mejores de todo el festival y nuestros músicos obtendrían además grandes elogios por parte del público y de
los músicos de otras agrupaciones participantes.
El Martes 14 de Marzo como a las 02:00 PM, Raimundo Rodulfo me llama por teléfono para decirme que esta de paso por Caracas directo desde
el Festival Baja Prog, antes de irse a su ciudad Barquisimeto, para conversar sobre su presentación en mencionado festival y para hablar sobre su
recién estrenado segundo álbum "The Dreams Concerto". Nos citamos para la entrevista en un conocido centro comercial caraqueño, donde se nos
uniría el celebre y reconocido baterista Andrés Briceño, quien se encuentra fascinado con su incursión dentro del Rock Progresivo como parte de la
banda de Raimundo.
Rock Total: ¿Cómo les fue en su presentación del Baja Prog? ¿Cuál fue la opinión tanto del público como de los medios y otras agrupaciones sobre su música?
¿Creen que tuvieron buena aceptación?
Raimundo Rodulfo: Nuestra actuación fue muy positiva, el público fue receptivo ya que algunos conocían las canciones de mi primer disco, muchas personas se
me acercaron para manifestarme que lo tenían.
RT: Estamos hablando de público internacional, personas de otros países que tenían tu disco y se sabían tus canciones, eso dice mucho de la aceptación de tu
música.
RR: Si, conocían mi primer disco y además de eso gustamos mucho porque llevamos una idea distinta a la de otras bandas europeas y norteamericanas, es algo
diferente porque mi música tiene marcada nuestra esencia venezolana. Muchas de las bandas participantes se nos acercaron para felicitarnos por nuestra
presentación y por nuestro segundo disco el cual estrenamos en el festival, uno de los músicos que nos felicitó fue el sueco Par Lindh de la banda que lleva su
nombre.
Andrés Briceño: Nosotros gustamos tanto porque colocamos un sello de identidad nacional, llevamos nuestra música que representó algo diferente a través del
rock progresivo.
RT: La forma en que ustedes hacen el rock progresivo es la forma como debería hacerse en nuestro país, marcando nuestra identidad, utilizando nuestro legado
músical y no sólo limitándonos a seguir patrones extranjeros. Aquí hay bandas de mucho talento, pero se limitan a seguir escuelas foráneas y el rock progresivo es
un género tan versátil que deberían de aprovecharlo para utilizar nuestras riquezas musicales.
AB: Sí, lamentablemente muchas bandas se limitan a copiar a otras pero nos olvidamos de lo que hay aquí.
RR: Los elementos latinoamericanos en mi música y en el solo de Andrés gustaron mucho, y también llamó mucho la atención la complejidad de nuestro ensamble,
mi banda es prácticamente una orquesta de cámara, éramos la banda más numerosa.
AB: También una de las pocas bandas que llevó un percusionista, eso llamo mucho la atención y es que nosotros llevamos algo diferente, fuimos la única banda
con propuesta diferente en cuanto a estilo por lo de nuestras influencias de la música venezolana.
RT: ¿Cuáles fueron las piezas que tocaron ese día?
RR: Tocamos material de ambos discos en el siguiente orden:
1. Extracto de la suite para guitarra y orquesta (álbum The Dreams Concerto).
2. Brainstorm (álbum Dreams)
3. Amistad (álbum Dreams)
4. New Horizons (álbum Dreams)
5. Hard Times (álbum Dreams)
6. El concierto de los sueños, primer movimiento: Dreams Suite (álbum The Dreams Concerto)
7. El concierto de los sueños, primer movimiento: Coda (álbum The Dreams Concerto)
8. Laberinto (álbum Dreams)
RR: Otra cosa que llamó la atención fue nuestro buen humor, bromeábamos mucho entre nosotros y las personas se nos acercaban para preguntar "de que tanto
se ríen ustedes los venezolanos".
AB: Rompimos con el divismo y la seriedad de otros músicos y eso llama la atención. "¡Sí son alegres los venezolanos!" era un comentario que escuchábamos
mucho.
RR: Los organizadores del festival nos felicitaron debido a nuestra sencillez y porque les facilitamos el trabajo, les gustó nuestra humildad en cuanto a
comportamiento y en el ámbito de exigencias técnicas, también agradecieron nuestra cooperación. Ese a mi juicio es el mejor elogio que recibimos.
RT: ¿Qué otras bandas se presentaron ese día y cuales fueron las bandas que más destacaron de todo el festival?
RR: Aparte de nosotros se presentaron Visible Wind de Canadá y The Watch de Italia, que es una banda que realiza versiones de Genesis con Peter Gabriel. A
nosotros nos correspondió tocar de primero ese día. En mi opinión la mejor banda del festival fueron los italianos DFA, para mí esta banda va a hacer historia,
tenían un nivel más allá de lo común. El comentario general del público asistente, según lo que pudimos conocer es que DFA y la banda de Raimundo Rodulfo
fueron unas de las presentaciones más comentadas de todo el festival. Hay que reconocer, en mi opinión, que el nivel general de las bandas participantes en este
festival fue muy alto, las bandas chilenas e italianas presentaron a mi juicio propuestas muy interesantes y de un elevado nivel técnico.
RT: En ese festival participaron bandas de renombre y prestigio mundial y el hecho de que el público comente que ustedes fueron una de las mejores es un gran
logro, tanto para ustedes como para nuestro país, esto es un hecho histórico que los venezolanos tienen que conocer.
AB: En verdad ese fue el comentario del público, DFA por el nivel musical, yo estoy muy sorprendido de esa banda y nosotros por el hecho de llevar una
propuesta diferente.
RT: Me gustaría ahora hacerte unas preguntas específicas a ti Andrés, sabemos en Venezuela la clase de baterista que eres, eres muy conocido sobre todo en el
mundo del jazz y ahora estas tocando progresivo ¿Cómo se siente Andrés Briceño con la banda? ¿Qué opinas de tu trabajo con la banda? ¿Piensas seguir
tocando con Raimundo Rodulfo?
AB: Me siento muy bien con la banda, tanto por el hecho de la calidad humada de sus integrantes, donde me he ganado su amistad, como por el hecho de que sé
que era un buen trabajo y un costó un gran esfuerzo para realizarlo, este es el proyecto más difícil en que he hecho en mi vida, para mí fue un reto tocar en esta
banda y participar en la grabación del segundo disco. También está el agregado de hacer algo diferente, hacer rock progresivo, el público viene de verme tocando
jazz y ahora me están viendo hacer progresivo, gané un público nuevo y voy a seguir ganando público, me abría hacia un público diferente para hacer algo distinto.
En cuanto a mis planes con la banda yo pienso seguir con ellos, para mí será un gran placer.
RR: Cabe destacar que al público le gustó mucho la actuación de Andrés, de hecho hubo un día en que unos bateristas mejicanos se lo llevaron a un estudio para
que les dictara una clínica y les enseñara a tocar ritmos afrovenezolanos. También algunos de los bateristas de las bandas que participaron en el festival se
acercaron al camerino, para preguntarle a Andrés sobre las adaptaciones que él realizó a la técnica de la batería para tocar los ritmos latinos y para preguntarle
sobre la complejidad del material que estaba tocando.
RT: Ya conocemos entonces con mucha alegría de tu éxito internacional, sería bueno ahora saber cuando te podrán ver los venezolanos, por lo que te pregunto
¿cuándo vas a tocar en Venezuela?
RR: Tengo pensado hacer ahora una pequeña gira nacional por diferentes ciudades, las presentaciones más próximas son el "Prog Jazz 2002" que se va a realizar
en Barquisimeto el 17 de Abril de este año, y la presentación en el "Caracas Art Rock Festival" que se efectuará del 24 al 26 de mayo de este año.
RT: Escuche que tenías pensado realizar un álbum en vivo. Cuéntanos al respecto porque suena interesante.
RR: Estamos recopilando material en vivo de varias presentaciones para hacer un álbum pero eso será para más adelante, apenas tengo dos discos de estudio y
hacer un álbum en vivo en estos momentos pienso que sería algo prematuro, quizá lo haga para cuando saque un tercer disco. Mi próximo álbum es un trabajo de
guitarra solista, mayórmente acústico, titulado "Acoustic Plus", contiene temas que he compuesto a través de varios años. Creo que lo produciré a finales de este
año.
RT: Les deseo todo el éxito del mundo y en verdad los felicito por dejar bien en alto nuestro nombre en tan importante festival, les seguiré los pasos y pronto
espero verlos una vez más en los escenarios venezolanos.
Roberto Palmitesta
22/01/2002
EscenaRock - http://www.escenarock.com - Venezuela
Entrevista con Raimundo Rodulfo sobre su próximo disco.
Crecen las expectativas sobre el próximo disco de Raimundo Rodulfo, uno de los máximos representantes de la movida progresiva en Venezuela y
probablemente de latinoamerica, ya que acaba de ser confirmada su participación en el BajaProg de este año. Veamos sus comentarios sobre lo que
será su próxima producción discográfica.
1. ¿Qué puede esperar el público del próximo álbum de Raimundo Rodulfo?
RR: Un trabajo honesto y personal. Cada persona que lo aprecie con detenimiento se hará su propio juicio. Espero que a la mayoría les parezca interesante.
2. ¿Cómo se va a llamar ese nuevo disco?
RR: The Dreams Concerto.
3. ¿Cómo describe Raimundo Rodulfo su segunda producción y que ingredientes adicionales trae?
RR: Consiste en una sola obra musical llamada The Dreams Concerto (El Concierto de los Sueños). Es un Concierto para Guitarra, Grupo y Orquesta de
Cámara en tres movimientos, de aproximadamente 79 min. de duración. Yo comencé a componer esta obra cuando tenía 15 años, como una suite para guitarra
clásica. Con el paso de los años, esta suite se ramificó y evolucionó hacia la estructura actual de Concierto, una obra contemporánea que abarca una amplia gama
de períodos y géneros musicales, desde el barroco hasta la música electrónica actual, pasando por lo clásico y lo moderno, por el blues, el jazz, el rock y la música
folklórica venezolana. Adicionalmente al trabajo musical, hice un poco de investigación y desarrollo por cuenta propia, abarcando el terreno de la matemática y la
ingeniería, para crear un modelo matemático y de procesamiento digital para el segundo movimiento del concierto. Es algo muy denso y árido, que estará
ampliamente explicado en un libro que acompañará al CD. También existe un intenso componente plástico en esta nueva producción, a cargo del artista británico
Peter Rodulfo, quien creó una colección completa de pinturas para este álbum, incluyendo una versión plástica del modelo matemático. La interpretación artística
que Peter hizo del modelo se contrapone a una representación de fractales geométricos generada por un programa de computadora que desarrollé paralelamente
al análisis matemático.
4. ¿Qué diferencias existen entre tu primera producción y la que estás por estrenar?
RR: Son tan diferentes, que creo es más fácil buscar las semejanzas. Algunos de los músicos de mi primer álbum Dreams participan en el segundo, como es el
caso del tecladista Lermit Martínez, el violinista César Romano y el bajista Carlos Rodríguez, aunque éste último reaparece como contrabajista.
Ambas obras son conceptuales, aunque esta última asocia la música con un componente lírico, más que con una obra literaria como en Dreams, donde existía un
cuento escrito en directa relación con la música. Peter Rodulfo vuelve a realizar un trabajo plástico en íntima relación con la música y el concepto de la obra.
Ambas son producciones independientes. De resto, son en esencia producciones completamente distintas, aunque seguramente los oyentes que conozcan ambos
trabajos encontrarán más elementos en común. Quizás la diferencia musical más notoria es la presencia de voces y el acompañamiento orquestal en el nuevo disco,
respecto a Dreams que era instrumental y menos denso.
5. ¿Puedes darnos algunos detalles de los músicos que te acompañan?
RR: Sacado del booklet del CD:
Raimundo Rodulfo: Classic, acoustic and electric guitar; mandolin, bass (tracks 3, 4 & 6), slide, talking guitar, acoustic and electronic percussion, backing vocals.
Mathematic modelling, DSP design, programming. Composition, orchestration and production.
Andrés Briceño: acoustic and electronic drums, flugelhorn (tracks 5 & 6)
Pablo Gil Rodulfo: saxophones
Pedro Castillo: vocals (track 1)
César Romano: first and seconds violins, viola, electric violin
Lermit Martínez: keyboard, piano, organ, clavier
Alejandro Socorro: acoustic and electronic percussion
Manuel Rojas: flute
Carlos Orozco: harp
Carlos Rodríguez: acoustic bass
Beatriz Rivas: vocals
Ricardo Furiati: bass (track 1), backing vocals (track 6)
César Hernández: backing vocals (track 6)
Linda Briceño: flugelhorn (track 1)
Euro Olivares: maracas
He tenido la suerte de contar en este nuevo disco con la participación de músicos venezolanos excepcionales de reconocimiento internacional, como es el caso del
baterista Andrés Briceño, considerado uno de los mejores y más innovadores del mundo, y quien además interpretó el flugelhorn, junto a su hija Linda, en algunas
secciones de la obra, aparte del sobresaliente trabajo que realizó en la batería. Pedro Castillo, célebre cantautor y locutor, quien además es vocalista-guitarrista de
Témpano, contribuyó en las voces junto a la cantante Beatriz Rivas, quien tiene una voz excepcionalmente hermosa y versátil. Tuve también la suerte de contar con
la participación de mi primo Pablo Gil Rodulfo, un saxofonista, flautista y compositor excepcional, quien estudió y vivió por muchos años en París y Nueva York,
grabando y compartiendo el escenario con músicos de jazz de la talla de Ellington Orchestra y Ron Carter, entre muchos otros. También es digna de resaltar la
participación de Carlos Orozco, uno de los arpistas más innovadores y reconocidos a nivel nacional e internacional, con más de doscientas grabaciones en su
haber, y numerosas presentaciones internacionales acompañando al Ensamble Gurrufío.
6. ¿Qué se siente haber sido seleccionado para representar a Venezuela en el prestigioso BajaProg 2002?
RR: Es un honor, y una gran responsabilidad. Es un reto y una oportunidad muy importante que nos obliga a estar a la altura del compromiso. Esta participación
se gestó gracias a los buenos oficios del Sr. Elliot Levy.
7. ¿Cuales son tus expectativas con el BajaProg?
RR: Que la audiencia y todos los músicos disfrutemos y compartamos positivamente durante nuestra presentación. Con un buen sonido, una buena sala y un
público entusiasta, el resto ya es trabajo nuestro.
8. ¿Cuando podremos ver a Raimundo Rodulfo tocar nuevamente?
RR: Quisiera tener una respuesta a esa pregunta, pero una presentación en vivo depende de tantos factores externos y ajenos a mi control, que no puedo decir
responsablemente cuándo tendré de nuevo la oportunidad . Deseos y planes tenemos muchos, si sólo un 10% de éstos se concretan, pues ocurrirá muy pronto. En
ese caso, trataré de promocionarlo lo mejor que pueda.
Roberto Palmitesta
15/07/2001
La Caja de Música - http://www.escenarock.com - España
LCDM: Si tuvieras que describir a alguien desconocido tu propuesta musical, qué elementos te gustaría resaltar en ella? ¿Que perfil de ella
considerarías que podría diferenciarla de la multitud de cosas que se hacen dentro del llamado rock progresivo?
RR: Si he de describir mi trabajo musical en función de géneros, debo decir que es una amalgama de estilos donde está muy presente la influencia de la música que
más me inspira y me ha acompañado durante mi vida. Desde la música académica o clásica, en especial del período barroco, pasando por el jazz, el blues, el rock
and roll y la música académica venezolana, donde están presentes elementos folklóricos muy particulares. Esta Ultima quizás sea el factor que podría añadir algún
toque de originalidad a mi música. Algunos reviews europeos de mi disco destacan la fusión de elementos de la música latinoamericana y del jazz en algunos de los
temas, creo que por eso tengo esa impresión. Sin embargo, ya Vytas Brenner y Aldemaro Romero fusionaron la música académica Venezolana con el rock y el
jazz hace 30 años, así que eso no es algo novedoso. Por lo general, cuando uno se encuentra en la música con algo distinto, experimental o difícil de clasificar,
suele resolver el problema definiéndolo como progresivo o como fusión de tal y cual estilo. Honestamente, no creo que las composiciones de mi primer disco
aporten elementos novedosos a la música; en cambio, mi próximo trabajo contendrá algunas propuestas experimentales con las que pretendo aportar algunas
cosas nuevas. De todos modos, no estoy preocupado por crear algo que me distinga de los demás; por el momento sólo estoy haciendo la música que me gusta.
LCDM: ¿De dónde se nutre tu música?, ¿De dónde viene? ¿Cómo te gustaría que sonara?
RR: Creo que se alimenta un poco de todas mis experiencias acumuladas como oyente y como músico e intérprete. El proceso de composición es esencialmente
intelectual, y es producto de intrincados mecanismos en el cerebro que aún no somos capaces de explicar, al igual que todos los actos creativos. Sin embargo,
cuando estoy muy inspirado en la composición de un tema, no tengo reparos en decir que me ha salido del alma, aunque en el fondo sea producto de un proceso
estrictamente físico. Creo que mi música siempre termina sonando a mi gusto, porque al fin y al cabo es un reflejo de mi mismo, de mis gustos y anhelos. Cuando
otros músicos la interpretan y le añaden su toque personal, experimento además la satisfacción de redescubrirla y presenciar su evolución, desde un concepto o
una idea hasta una verdadera expresión artística. Desde el punto de vista técnico, existen consideraciones de sonido que por lo general terminan siendo un dolor de
cabeza, pero a los que hay que prestarles la mayor atención posible, si se quiere que el trabajo sea apreciado correctamente por la audiencia.
LCDM: En tu música están presentes, entre otros, los siguientes instrumentos: violín, flauta, guitarra, teclados, batería, percusión. ¿Qué te gusta
en esa particular combinación de instrumentos que tiene tu banda en este momento?
RR: Todo. Siempre me ha gustado la música en la que se combinan armoniosamente los timbres y texturas de diversos instrumentos musicales, algunos muy
disímiles entre sí, donde cada uno contribuye a su manera particular en ensamblar el mensaje o la idea general. Esto alcanza su máxima expresión en la música
clásica; cuando escucho una sinfonía de Beethoven o una obra de Tchaikovsky, por nombrar algunos, no dejo de asombrarme con la forma perfecta en que esos
grandes compositores lograban integrar hasta 40 instrumentos a la vez, con arreglos geniales en los que cada uno terminaba jugando un papel único y particular, sin
repetir, distorsionar o sobrecargar el producto final. Eso es algo que se estudia en los conservatorios, pero creo que muchos de ellos nacieron con la habilidad
necesaria para ello. Aunque yo compongo pensando en la guitarra como instrumento solista, nunca he querido que la mía sea catalogada como música de
guitarrista. Muchos guitarristas producen discos de ese tipo, algunos muy buenos, donde casi todos los sonidos son creados por guitarras. Yo no quería producir
un disco más de guitarra, y creo que logré un buen ensamble con la inclusión de otros instrumentos solistas (flauta, violín, y saxofón), complementados por los
teclados, la batería, la viola, el bajo y la percusión. En lo que a guitarras respecta, creo que cada una de las diferentes que utilizo (acústica cuerdas de metal, clásica
cuerdas de nylon, eléctrica, mandolina) tiene un sonido y una técnica particular, que las hace instrumentos distintos una de la otra.
LCDM: ¿Con qué otros instrumentos te gustaría contar en ella?
RR: En el próximo disco incluiré arpa, violonchelo, voces y probablemente Stick. Me gustaría aprender a tocar otros instrumentos de cuerda como el laúd, la cítara
y la teorba.
LCDM: Eres un guitarrista que te das bien tanto con la eléctrica como con la acústica. ¿Con cuál te sientes más cómodo? ¿Compones para ambas?
¿Quién crees que combina mejor ambas técnicas?
RR: Por comodidad, suelo componer en guitarras acústicas, aunque a veces tengo ideas nuevas cuando practico con la eléctrica, y terminan convirtiéndose en
canciones. Siempre he admirado a los guitarristas que son versátiles para interpretar diferentes tipos de instrumentos, tanto acústicos como eléctricos, en diversos
estilos. Admiro por eso en particular a Al Di Meola, Steve Howe, Pat Metheny y John McLaughlin.
LCDM: Eres un guitarrista al que obviamente le gusta mover muy rápido los dedos por el mástil. Podría decirse que tu disco contiene "un gran
número de notas". Cualquiera podría pensar que privilegias la técnica sobre la emoción, ¿estarías de acuerdo con esa apreciación?
RR: Sí. Algunos temas los compongo en tiempos y cadencias que se prestan a cosas de ese tipo. En el tema "Laberinto", el primero del disco, la melodía principal
es una frase en tiempo de vals que en sí misma representa una gran colección de notas que deben decirse en pocos compases. Lo mismo ocurre con el tema
"Tiempos Difíciles", solo que en este último es la flauta la que lleva la voz solista. En mi primer disco no hay temas que se presten en mi opinión a solos
sentimentales y calmados, es más un asunto de composición. En mi próximo disco hay algunos segmentos de blues que sí incluirán solos de ese tipo. Yo admiro
mucho a guitarristas como Clapton, Santana, SRV, Latimer y Gilmour que son verdaderos maestros en hacer llorar a una guitarra. No creo poseer esa capacidad,
quizás algún día tenga la suficiente inspiración y técnica para transmitir tantas emociones solo con la guitarra.
LCDM: Por cierto, ¿eres autodidacta o has ido a conservatorios?
RR: De niño, estudié dos años en el conservatorio. Empecé con el violín, pero no era lo que quería y terminé dejándolo. A los 12 mi madre me regaló una guitarra
acústica, y comencé a practicar por mi cuenta. Algunos guitarristas a través de los años me han dado pequeñas lecciones o consejos que me han ayudado
bastante, pero soy básicamente autodidacta. Cuando tenía 14 años una tía me regaló el disco "Alirio Diaz Plays Bach". Creo que fue a partir de entonces que
decidí dedicarme a ese instrumento, inspirado por una de las mejores interpretaciones de guitarra de todos los tiempos.
LCDM: Háblanos un poco de tu primer trabajo, SUEÑOS. En principio se que el diseño de portada es interesante y lo hizo un pariente desconocido
y creo que a la fecha no se han visto. ¿Es así?
RR: Las pinturas de las portadas y del interior del disco las realizó el artista británico Peter Rodulfo, quién tiene una larga trayectoria como pintor y escultor en
Europa y EE.UU. Nos conocimos a través de Internet, porque él estaba haciendo una investigación genealógica de su apellido, el cual es muy poco común en
Europa y también aquí en América. Su investigación lo llevó a encontrar parientes lejanos en Venezuela, que probablemente están emparentados con los míos.
Comenzamos a escribirnos por email, y hablando un poco sobre nosotros, descubrimos sobre los trabajos artísticos de cada uno. Un día le propuse que hiciera la
portada de mi disco, y él aceptó de buen agrado, realizando no una sino cuatro magníficas pinturas para el disco. El arte de Peter Rodulfo es increíblemente
imaginativo y original, y es muy apreciado por coleccionistas de arte en Europa. Es un honor y un orgullo para mí haber unido mi trabajo artístico al suyo. El
próximo disco contendrá varias obras de Peter, incluyendo un trabajo experimental que estamos realizando en conjunto, que involucra elementos plásticos,
musicales, electrónicos y matemáticos. Ni Peter ni yo hemos cruzado el océano hasta la fecha para conocernos en persona, aunque el trabajo artístico que hemos
realizado en común ha forjado un gran vínculo de amistad. El diseño gráfico del disco lo realizamos mi esposa Anabella Delgado y yo. Una de las obras plásticas
del disco, incluida en el folleto, fue realizada por Anabella, así como las pinturas que acompañan al cuento que está incluido en la sección multimedia del CD.
LCDM: ¿Cómo se concibe el diseño de esa portada?
RR: Yo le envíe a Peter con varios meses de antelación la música terminada. El se inspiró en el concepto musical y literario que yo había creado para producir las
cuatro pinturas del disco. Cuando las veo, puedo intuir un vínculo muy profundo entre la música, la historia y las pinturas. Es asombroso además que, sin haber
leído el cuento, Peter plasmó en sus pinturas la esencia de la historia y sus personajes.
LCDM: ¿Qué condi